CAT

La Uni al Carrer, http://launialcarrer.wordpress.com/
Grau de Comunicació i Indústries Culturals, Facultat de Filologia, Universitat de Barcelona
prof: tjasa kancler

26/02/2013, de 11.30h a 13.30h, Plaça Universitat

¿Que significa fer films decolonialment? Algunes notes per a la reflexió

Descolonització generalment indica un procés de superació del colonialisme, associat a les lluites anticolonials en el marc d’estats colonitzats. Però un cop conclou el procés de colonització, no s’esgota en el colonialisme, sinó que inclou moltes altres experiències i articulacions que segueixen operant en el nostre present a través de la naturalització de jerarquies territorials, racials, culturals i epistèmiques, possibilitant la reproducció de relacions de dominació (explotació, subalternizació i obliteració de coneixements, experiències i formes de vida)(Rastrepo y Rojas). ⁠

Des de l’interior d’aquest escenari, la proposta de classe planteja una reflexió sobre la matriu colonial del poder (Quijano) que descriu quatre dominis interrelacionats, – el control de l’economia, de l’autoritat, del gènere i sexualitat i de la subjectivitat i coneixement,-com també una sèrie de preguntes en relació per obrir el debat entorn al potencial crític i subversiu de les pràctiques artístiques en l’actualitat del capitalisme global neoliberal.

Com desvincular-se de la matriu colonial del poder? Com articular la crítica que ens fa sentir incòmodes en els espais d’explotació, que permet visualitzar els conflictes, les absències i les relacions de poder? (Benfield, Gržinić)

Els alumnes faran una breu presentació de les seves propostes per desenvolupar una sèrie de projectes audiovisuals en els mesos següents.

CAST

La Uni al Carrer, http://launialcarrer.wordpress.com/
Grado de Comunicación e Industrias Culturales, Facultad de Filología, Universidad de Barcelona
prof: tjasa kancler

26/02/2013, de 11.30h a 13.30h, Plaza Universidad

¿Qué significa hacer films decolonialmente? Algunas notas para la reflexión

Descolonización generalmente indica un proceso de superación del colonialismo, asociado a las luchas anticoloniales en el marco de estados colonizados. Pero una vez concluye el proceso de colonización, no se agota en el colonialismo, sino que incluye muchas otras experiencias y articulaciones que siguen operando en el nuestro presente a través de la naturalización de jerarquías territoriales, raciales, culturales y epistémicas, posibilitando la reproducción de relaciones de dominación (explotación, subalternización y obliteración de conocimientos, experiencias y formas de vida)(Rastrepo y Rojas).⁠

Desde el interior de este escenario, la propuesta de clase plantea una reflexión sobre la matriz colonial del poder (Quijano) que describe cuatro dominios interrelacionados, – el control de la economía, de la autoridad, del genero y sexualidad y de la subjetividad y conocimiento, -como también una serie de preguntas en relación para abrir el debate entorno al potencial crítico y subversivo de las prácticas artísticas en la actualidad del capitalismo global neoliberal.

¿Cómo desvincularse de la matriz colonial del poder?¿Cómo articular la critica que nos hace sentir incómodos en los espacios de explotación, que permite visualizar los conflictos, las ausencias y las relaciones de poder?(Benfield, Gržinić)

Los alumnos harán una breve presentación de sus propuestas para desarrollar una serie de proyectos audiovisuales en los meses siguientes.

ArtLeaks

Namely, we have experienced first-hand how critical thinking and dialogue can be compromised through repressive maneuvers – and turned against those workers who bring into question art institutions’ mission, politics or their engagement with corporate benefactors. By co-opting cultural activity, these sponsors obtain social credibility which they then proceed to mis-use:  by refusing decent conditions for cultural workers through oppressive measures – the same workers whose labor makes their subsistence possible.

In response to blacklisting and continued abuse conjoined with unbridled exploitation, we considered it our civic and political duty to bring to light the mechanisms of corruption and inspire others to do so as well. Instead of letting singular protests succumb to anonymity, gossip or institutional hush-hush, we began working to extract from situations of inequality, general conditions that affect the social and political mission of workers and establishments for art and culture.

Implicit in this collective protest is a radical form of institutional critique – through which we emphasize the urgent need to make visible and counteract all forms of repression, abuse, mistreatment and arrogance that have been normalized through the practices of many cultural managers.  While each case of abuse may be different, the increasing amount of power vested in art institutions controlled by corporate players, calls out for a collective struggle for equal rights and fair treatment of cultural workers.

Concretely, we will expose common-currency practices of slander, intimidation and blackmail as they are. Further, through this working platform we seek to enable like-minded people to stand together against instances of mistreatment related to cultural labor, repression channeled through dishonest management or blatant censorship. We seek to create a strong network of art systems’ whistleblowers – through which we support and protect each other in critical moments as much as possible. Through the power of facts, first-hand testimonies and visual information we seek to deconstruct the politics of who, what and how is invited into the exhibition space, and most importantly the circumstances under which one is ousted and then blacklisted.

We believe in the power of sustained artleaking  to turn the tables on corruption and exploitation, to force art and culture institutions to publicly account for their politics and their actions. To mafia tactics and authoritarian tendencies, we answer with openness, angriness and solidarity. The tools that we continue to build together are geared towards empowering – to work with dignity and articulate our positions without obstruction and to exchange information and ideas beyond national borders.

We initiate and provide the community with online tools - http://art-leaks.org/ and the facebook page “ArtLeaks” – which are open for use by anyone ready to share this or that case. Each case will be archived, building a comprehensive index of repression. We believe retroactive artleaking is just as important as early-warning leaking in the present. Thus, we welcome cultural workers to publish reports on the situation inside of the institution in any form. Both anonymous and signed reports are welcome. We only ask to submit each case with collective evidence, such as first-hand reports and documentation such as e-mail correspondence, internal regulations and documents, video recordings and so on. We welcome the submission of evidence in the original language and we will do our best to make it available to international audiences. Our moderator will guarantee the objectivity of each case in a wiki style of communication with each contributor. For more information on submitting your case see Artleak Your Case or Contact.

It is time to break the silence.

ArtLeaks was initiated through the collective efforts of:

Las “Jornadas IMAGEN, VÍDEO y POLÍTICA. Cruces VLC/MEX”, coordinadas por #Nuevas Realidades Vídeo Políticas, se realizarán en las ciudades de Valencia y de México DF, buscando debatir y pensar acerca del uso y el poder político de la imagen; de las nuevas formas de (co)producción, (re)distribución, intercambio y recepción de imágenes audiovisuales; y sobre el uso de las redes sociales y sus consecuencias en el espacio “real”.

En Valencia, establecemos un programa de actividades en la Facultad de Bellas Artes de la Universitat Politècnica de València y en el Sporting Club Russafa (en la C/Sevilla Nº5), los días 5, 6 y 7 de Marzo del 2013. También podrán verse por streaming (hora de España) en http://nrvp.wordpress.com

Contaremos con Marcelo Expósito (http://marceloexposito.net) como conferenciante invitado y con la Mesa Redonda ¿Cómo puede la imagen funcionar como herramienta política? conformada por Paula Valero (http://www.paulavalero.net), Xavier Artigas (http://no-res.cc – http://metromuster.cc), Matthieu Jeuland (http://tsinarini.wordpress.com) y moderada por Miguel Corella. Más info de los invitados en http://nrvp.wordpress.com/jornadas/invitados

Se proyectará el Documental “La Plaza. La gestación del movimiento 15M” y el Ciclo “La cámara como arma” con trabajos de Freección + Sandía Digital (México) y del Festival #NRVP. También contaremos con la Charla + Proyección “Tisinarini. Vídeo y Empoderamiento” sobre el Taller de Vídeo Documental en Cherán K’eri (México), presentado por Matthieu Jeuland.

En Mayo las jornadas se trasladan a México D.F y se transmiten vía streaming, con Fernando Llanos (http://www.fllanos.com) y Alfredo Salomón (http://www.cabezaenlaluna.net) como invitados.

Las y los invitamos a asistir a nuestro evento o seguirlo por streaming, twitter y facebook.

Programa completo, streaming y toda la información de las Jornadas en: http://nrvp.wordpress.com/jornadas

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Idea y Coordinación:
Iker Fidalgo Alday
Hernán Enrique Bula
Jorge Ortiz Leroux (México)

#Nuevas Realidades Video-Políticas
http://www.nrvp.wordpress.com
nrvpfest@gmail.com
facebook.com/nrvpfest
@NRPVfest

Organiza:
Laboratorio de Creaciones Intermedia (UPV – VLC)
Investigación y Creación Intermedia (UAM – MEX)

Colabora:
Vicerectorat d’Alumnat i Cultura – UPV
Facultat de Belles Arts de Sant Carles
Departamento de Escultura
Universidad Autónoma Metropolitana – Azcapotzalco (México)

Agradecimientos:
Sporting Club de Russafa

Un proyecto de Cabello/Carceller…/http://www.offlimits.es

Inauguración 18 de febrero
Hasta el 16 de marzo
Un proyecto de Cabello/Carceller

La exposición Permiso para hacer la revolución. Actitudes ante la censura débil y sus modos de funcionamiento, explora y debate en torno a las nuevas formas de resistencia de la ciudadanía en las sociedades que se autodenominan o son nombradas como democráticas. El proyecto se plantea como una propuesta que intenta analizar las nuevas estrategias de control de flujo de contenidos estudiando la situación prioritariamente desde una perspectiva de género, ya que han sido las artistas que han trabajado desde contenidos y referencias feministas quienes de una forma más clara han modificado el imaginario hegemónico en las últimas décadas.

El título del proyecto destaca precisamente una de las paradojas presentes en los regímenes democráticos: la necesidad de realizar transformaciones profundas para poder vivir y asegurar la autonomía de nuestras diferencias, pero, a la vez, hacerlo desde el respeto a ese mismo sistema de convivencia que dificulta la consolidación de los avances sociales. En este sentido, las y los artistas influenciados por el feminismo han desarrollado estrategias de autorrepresentación, a menudo con una fuerte carga irónica, que han permitido, con muy poco, expresar mucho, y que han protagonizado la reforma de nuestro imaginario colectivo.

El tejido social se ha vuelto más complejo y las estrategias de auto-representación que emplean las artistas son el reflejo de esa complejidad. Las prácticas artísticas más recientes están evolucionando de manera que potencian y adoptan referentes que se escapan de las experiencias mayoritarias para centrarse en la vivencia de quienes no ocupan los espacios cercanos al poder. Estas artistas muestran con su trabajo los complicados procesos que construyen los mecanismos de dominación que se aplican sobre individuos particulares. Esos mecanismos se han reblandecido en los contextos democráticos, es decir, no se ejercen ya con la violencia física de antaño, pero a cambio se han diversificado hasta alcanzar un nivel de sofisticación altamente eficaz. En este sentido el análisis que desde el feminismo se ha realizado de los mecanismos de dominación patriarcal resulta clave para entender los modos y maneras en los que se puede controlar a una ciudadanía. En los trabajos presentes en esta muestra se puede apreciar un abanico de dudas y reflexiones en torno no sólo al espacio social que ocupa cada individuo, sino también a la estructura psíquica que configura la sociedad de la que formamos parte; aquello de lo que no se habla demasiado en voz alta en los discursos políticos, pero que está siendo analizado y reconocido desde los espacios de la representación artística y de la nueva teoría política. Este proyecto se centrará en un análisis de las posibilidades para la acción dentro de estas estructuras rizomáticas.

La exposición cuenta con la participación de conocidas creadoras del ámbito internacional y nacional mostrando un camino que se abrió en los años 70, con figuras como Martha Rosler y que continúa activo y dinámico en nuestros días. Sus efectos se dejaron sentir trasversalmente en muchos países tras su conversión en sociedades democráticas, pero no fueron importados literalmente, sino que han servido para estudiar conjuntamente estrategias de resistencia y para plantear nuevos modelos de actuación en espacios plurales. Estos trabajos ahondan desde perspectivas diferentes en las problemáticas de género, las desigualdades y la estereotipación del rol de la mujer en la sociedad, la capitalización de las estéticas revolucionarias, la importancia del control de los cuerpos, el papel que juega la educación…

ARTISTAS PARTICIPANTES

Johanna BILLING (Suecia), Cecilia BARRIGA (Chile) CHTO DELAT? (Rusia), Andrea GEYER (Alemania/EEUU), Marina GRIZNIC/ Aina SMID (Eslovenia), Sanja IVEKOVIĆ (Croacia), Ana NAVARRETE (España), Martha ROSLER (EEUU) y Julika RUDELIUS (Holanda).

Intervención en el espacio público por huelgadearte&wearenotvictims

video-entrevista con Martha Rosler, kronotop.org

Desde los años 70’, a través de sus numerosas obras y proyectos, empleando diversos métodos de trabajo, Martha Rosler ha ido construyendo progresivamente la práctica del arte socialmente comprometido y su posición feminista crítica, para establecer las conexiones entre la esfera privada y pública, espacio doméstico y cultura mediática, como también del espacio urbano en confrontación con los cambios políticos y económicos. El punto de partida del proyecto de archivo de Martha Rosler, If You Lived Here…. presentado por primera vez en la Fundación Dia Art (Dia Art Foundation) en Nueva York en el año 1989, fue la (in)visibilidad de las personas socialmente desfavorecidas y los espacios urbanos que habitan, con el que tomó un posición radical frente a los sistemas y las condiciones subyacentes de vivienda, relacionados con el proceso de la gentrificación.

En el año 2010, para la exposición If You Iive Here Still…en La Virreina, Centre de la Imatge, este proyecto de archivo ha sido presentado trazando paralelas con las prácticas de diversos colectivos locales, involucrados en el trabajo relacionado con la crisis de la vivienda en el contexto específico de la ciudad de Barcelona, abriendo debates sobre las diferentes formas de activismo y las nuevas estrategias de representación social.

En la video-entrevista con Martha Rosler que realizamos en el marco de esta exposición hemos discutido sobre las prácticas artísticas en relación a la creciente privatización del sector público y el papel de las instituciones, para repensar los límites de la representación de lo social.

http://martharosler.net

Nina Möntmann: (Under)Privileged Spaces: On Martha Rosler’s “If You Lived Here…”

El Factor Subjetivo

TALKING BACK es el primer programa del ciclo EL FACTOR SUBJETIVO, dirigido por Montse Romaní y Virginia Villaplana (septiembre-octubre 2011)/http://www.workingimages.org

Artium, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo (Vitoria-Gasteiz)
Con la colaboración de: Filmoteca de Catalunya y Goethe Institut.

El problema no es que nos liberemos de las representaciones. La respuesta es un sentido proactivo de capacidad de acción que requiere que todos tengamos un gran nivel de alfabetización escrita y visual. Creo que no podemos hablar de libertad o de justicia social en ninguna cultura si no hablamos de movimientos de alfabetización.

bell hooks: Teaching to Transgress. Education as the Practice of Freedom, 1994.

La primera sesión del programa Talking Back, está dedicada a la obra de Eugenia Balcells y a su poética aplicada al cine experimental, realizada entre 1978 y 1979, como resultado de una arqueología de la imagen y la vida cotidiana. En su trabajo inédito Re-prise (1976-1977), Eugenia Balcells inicia una ordenación de las imágenes del cine comercial a través de sus arquetipos y tipologías: personajes femeninos y masculinos, parejas, gestos afectivos y situaciones clásicas (como las conversaciones telefónicas o los the end del melodrama hollywoodiense). La fuente visual de los arquetipos sexuales en la cultura de masas (en especial de imágenes extraidas de publicaciones impresas y la publicidad), y la materialidad del soporte físico en 16mm como archivo y huella de las convenciones sociales del género, son la base de los films 133 y Boy meets girl, que darán paso al uso, por parte de Balcells, de los soportes tradicionales de la memoria personal. Album es a su vez un autorretrato familiar entre la artista y su abuela materna y un depósito de los momentos del pasado, en el que hábilmente se intersectan las fotografías, el material fílmico amateur y los fragmentos de postales escritas. El film estructural Fuga, sin embargo, va a desprenderse de la intensidad de la narrativa familiar. Eugenia Balcells retoma el espacio interior de la casa para entretejer un ejercicio sobre el tiempo y el espacio haciendo un remontaje, que inspirada en la estructura musical de la fuga, destruye la imagen tradicional de la  intimidad.

Bajo el subtítulo La responsabilidad de crear representaciones colectivas, la segunda sesión nos remite, por una parte, a la obra fílmica de la cineasta Helena Lumbreras, pionera en España en cuanto a las estrategias del cine militante feminista, y las narrativas de la resistencia social en los espacios colectivos de las luchas sindicales. Mediante la experimentación, A la vuelta del grito rompe con el cine clásico obrero, componiendo un registro drástico de la primera huelga general y de las movilizaciones ante la crisis social y económica en los primeros pasos de la transición política española a la democracia. Por otra parte, en 1975 la cineasta francesa Agnès Varda inicia el rodaje de Daguerrotipos devolviendo el cine a una técnica primitiva de la imagen fotográfica, la técnica del retrato del daguerrotipo. Varda filma a los comerciantes, el carnicero, la panadera, el tendero de ultramarinos o el peluquero. En definitiva, a sus vecinos de la calle Daguerre, en el  distrito 14 de París. La película se convierte en un fascinante retrato de la convivencia, del tiempo de las conversaciones, de los afectos y las historias cotidianas, que sin nostalgia anticipa la progresiva pérdida de lo común y la comunidad.

Un aspecto relevante en las películas de este programa, es la toma de conciencia de la memoria y los espacios culturales en los que se inscribe. Tanto en Carta a mi hermana como en 5000 Feminismos, las realizadoras trazan un puente entre un acontecimiento del pasado marcado por las luchas feministas y su traducción en el presente. Para ello, la práctica documental acontece en ambos casos como una forma de reescritura del contexto en el que se enmarca el acontecimiento, cuyos conflictos y negociaciones se ponen de relieve. Por ejemplo, la memoria sobre las Jornadas Feministas de Granada treinta años atrás, a través del film retorna deconstruida a los encuentros de 2009 para ser nuevamente traducida de acuerdo a las circunstancias culturales actuales. En Habiba Djahnine, realizadora de origen argelino que vive en Francia, esta traducción cultural es doblemente compleja por la posición ambivalente que ella inicialmente ocupa con respecto al lugar (geográfico y simbólico) en el que su hermana fue asesinada. Y es precisamente gracias a su posición deslocalizada, que el film consigue interpelar nuestra propia reflexividad sobre el proceso de los acontecimientos.

Así, los relatos feministas como depósitos alternativos de la historia y de las tramas de la subjetividad, pueden considerarse en si mismos procesos de aprendizaje, capaces de crear una reflexión crítica en el presente y hacia el futuro.

De la subjetividad por la acción da nombre a la quinta sesión en la que se proyecta la película de la realizadora alemana Helke Sander. Los diversos niveles discursivos que funcionan en El factor subjetivo hacen de ella una película matriz en este programa. Este ensayo representa el potencial de las prácticas feministas cinematográficas que en los años 70 abrieron espacios rupturistas en las formas de producir la cultura y la política. Realizada en 1981, Sander nos traslada al periodo en el que se originó el llamado Nuevo Feminismo en Alemania, y su perspectiva puede considerarse un punto de partida histórico en el actual debate sobre las expresiones políticas que comprenden la autogestión de los conocimientos y de las condiciones de producción.

A modo de epílogo, absent present suma un nuevo elemento a las narrativas de no ficción como escritura etnográfica: el fomento del pensamiento descolonial para explorar, desde la condición política de las imágenes, las conexiones entre sociedad y conocimiento. 
Las vidas relatadas desde la contención subjetiva de la experiencia por parte de los protagonistas de este ensayo audiovisual, parecen haberse transformado en el mismo acto de filmar las diversas relaciones y afinidades que la realizadora entabló con quienes iba construyendo el film. Es decir, los “otros/as inadecuados/as” a los que la cineasta Trinh T. Minha-ha se ha referido. De esta manera, absent present constituye una práctica simbólica que desafía los intentos de estandarización de los relatos y las narrativas, a la vez que refuerza la defensa de los rasgos de identidad, entendida como fuente de experiencia y aprendizaje.

*ÁLBUM

*ABSENT PRESENT

Dir. Angelika Levi. Alemania, 2010, 85 min.
Versión original alemana con subtítulos en castellano

La historia de Benjis, emigrante de origen namibiano, es el punto de inicio de un viaje que nos conduce de Alemania a Namibia, pasando por España, Canarias hasta el Senegal, que da cuenta de la situación de las personas que deben renunciar a sus identidades nacionales para convertirse en apátridas sin derecho alguno. Aplicando un lenguaje que no delimita, juzga o evalúa, Angelika Levi presenta un elaborado ensayo documental que nos sitúa en diferentes geografías y espacios (países, costas, bosques, fronteras y aeropuertos) cuyos cruces y conexiones entre la migración y el turismo –dos de las formas más frecuentes de movilidad- dan lugar a una reflexión entorno a las actuales estrategias biopolíticas, sustentadas en renovados procesos de explotación y regulación, para poder transitar la fortaleza “Europa”.

Claude Cahun (1894-1954), cuya obra provoca verdadero entusiasmo actualmente, era prácticamente desconocida hasta principios de los años ochenta, momento en el que los trabajos de François Leperlier y las exposiciones del Museo de Bellas Artes de Nantes (1994) y del Museo de Arte Moderno de París (1995) la descubrieron al gran público. Su vida y su obra –tanto literaria como artística– reflejan una personalidad excepcional, profundamente libertaria, situada en los márgenes de las convenciones dominantes (sexuales, sociales, éticas…) de una época de exploración de las vanguardias y de conmoción moral. De entre todas sus fotografías, los autorretratos son sin duda el material que ha suscitado más interés en los últimos tiempos. La artista se sirvió durante toda su vida de su propia imagen para abatir uno por uno los tópicos asociados a la identidad. Se reinventó a través de la fotografía posando ante el objetivo con un hábil sentido de la actuación y del juego de roles, vestida de mujer, de hombre, de heroína inclasificable, con larga cabellera o con el pelo muy corto e, incluso, con el cráneo rasurado. Este recorrido discursivo encontró su prolongación, particularmente innovadora, en los trabajos de puesta en escena de objetos y en el fotomontaje, que reivindican la posición dominante de lo imaginario y de la metamorfosis.

Esta exposición, que tiene en cuenta la pluralidad de análisis suscitados por Cahun desde los años noventa, muestra, a través de diferentes ejes de lectura –desde sus autorretratos evocadores de una identidad subversiva hasta las composiciones surrealistas, las metáforas eróticas y su incursiones en el ámbito político–, la modernidad de una artista que, como pionera de la autorrepresentación y de la escenografía de objetos, ha podido influenciar algunas prácticas artísticas actuales.

Metamorfosis de la identidad y subversión de los géneros

Una serie de fotografías realizadas durante el período comprendido entre 1913 y 1920 reúne algunas de las obras principales de Cahun. En estas imágenes, la artista se pone a sí misma en escena y subraya el travestismo y el juego de máscaras, multiplicando las variaciones sobre el género: femenino, masculino, andrógino, indeterminado. Cultiva conscientemente la ambigüedad sexual y cuestiona las convenciones y las normas establecidas. En 1928 llega a representarse con el cráneo rasurado, en maillot, de perfil o con las manos cubriéndole el rostro; también con una holgada chaqueta de hombre. Algunas escenografías de este período anticipan la performance contemporánea.

Poética del objeto

Las “combinaciones de objetos”, que surgen hacia 1925, imponen un tipo de representación todavía poco explotado y particularmente inventivo. Estas combinaciones gozarán de más dedicación durante los años 1935-1936, en ocasión de la exposición surrealista de 1936 y también como consecuencia del encargo de veintidós planchas fotográficas para ilustrar el libro de poemas de Lise Deharme Le coeur de Pic (1937), con prefacio de Paul Éluard. Se trata de puestas en escena efímeras, situadas a menudo en un entorno natural como un jardín o una playa. Cada sainete es una composición de elementos heteróclitos, encontrados o fabricados, pequeños objetos decorativos de cristal, utensilios de costura, ramitas, huesos, insectos, plumas, flores, guantes, pedazos de tejido, zapatos, arreos, etcétera. Este “teatro de las cosas”, también “lecciones de cosas”, indica una doble vertiente, plástica y simbólica, que Claude Cahun trataría en su texto Prenez garde aux objets domestiques (1936).

Metamorfosis de la identidad y subversión de los géneros (continuación)

Durante los años treinta, siguiendo con la exploración sobre las imágenes de sí misma, Claude Cahun parece distanciarse de la cuestión de la diferencia sexual y de las construcciones sociales y culturales para profundizar en las puestas en escena, los disfraces y las experimentaciones sobre los efectos de desdoblamiento que amplían el trabajo sobre los fotomontajes de finales de los años veinte.

Metáforas del deseo

En contra de la exhibición directa y a veces cosificadora del cuerpo femenino que algunas pinturas y fotografías parecen reflejar, Cahun opta por la postura insidiosa y “erótica enmascarada” de “segundo grado”. En esta categoría hallamos algunas imágenes que evocan especialmente el juego deliberado que la autora mantiene con el deseo. Ya sea en la exhibición distanciada del cuerpo, en sus connotaciones alegóricas (la bacante, el fauno, rodeados de una vegetación de sensuales motivos) o incluso en la puesta en escena de objetos antropomórficos (el padre con atributos hermafroditas), la artista se mantiene firme en la voluntad de mostrar el deseo en su esencia, de evidenciar su dimensión propiamente imaginaria.

Entre nosotras. Claude Cahun y Suzanne Malherbe (Marcel Moore)

Una fotografía de Claude Cahun, Entre nous (“Entre nosotras”, 1926), muestra concretamente el espíritu de este apartado. Se trata de evocar algunos aspectos de la relación íntima y de la colaboración artística entre Cahun y su compañera. Suzanne Malherbe ejecutó un buen número de negativos a partir de las sugerencias de Claude Cahun. Un retrato doble de 1921 muestra un sorprendente paralelismo que se presenta como metáfora posible de esta pareja: una relación de complicidad profunda entre dos fuertes personalidades. En los cuatro fotomontajes que ilustrarían Aveux non avenus (1930), la obra literaria más significativa de Cahun, convergen en esencia sus temas principales y las metáforas que la obsesionaban. Estas planchas representan el fruto de la colaboración entre las dos artistas.

Encuentros electivos

Esta serie de retratos, que nos recuerdan la importancia de las relaciones de amistad en la obra de Claude Cahun, permite reencontrar a los individuos a los que la artista dio prioridad, aquellas personas que la influenciaron o aquellas por las que sentía una simpatía particular: Henri Michaux, Robert Desnos, André Breton, Jacqueline Lamba, Suzanne Malherbe… Diez fotografías, surgidas de las representaciones del grupo de teatro Le Plateau, dinamizado por Pierre Albert-Birot, son testimonio del interés capital de Claude Cahun por la escena y los juegos de roles.

Poesía y política

Durante los años treinta y ante el advenimiento de los totalitarismos, Claude Cahun radicaliza su orientación política y se asocia, junto con los surrealistas, a determinadas agrupaciones de izquierda y extrema izquierda. Esta preocupación se refleja en su trayectoria estética. En la perspectiva inaugurada con su panfleto Les Paris sont ouverts, de 1934, subrayará la validez de la eficacia subversiva de “la acción indirecta”, la de la expresión simbólica, principalmente realizando algunos objetos que tienen como objetivo mezclar intensamente la dimensión poética y la dimensión política. Estas puestas en escena desembocarán en dos grandes series de imágenes fotográficas en las que dominan la ironía, la rebelión y la provocación: la “muñeca” (personaje confeccionado con papel de periódico) y el “teatro” bajo el globo de vidrio (un maniquí de madera rodeado de varios elementos).

Más allá de lo visible. Los últimos autorretratos

De la lectura de las fotografías de Claude Cahun surgen numerosas alusiones a manifestaciones que se sitúan más allá de lo visual, indicios susceptibles de permitir el acceso a otras realidades; quizá, incluso, más allá de la muerte. Su afinidad con el simbolismo, el interés por las doctrinas orientales y su complicidad con el surrealismo no hacen más que confirmar esta aserción del predominio de lo imaginario y de la metamorfosis, del que es testimonio el conjunto de su trayectoria intelectual y estética. La serie que lleva por título Le Chemin des chats (realizada entre 1949 y 1953) sugiere una reflexión sobre el cuestionamiento fundamental de la realidad y de las apariencias. El gato, por el que Cahun sentía tanto aprecio, simboliza el intercesor por excelencia, aquel que asegura el contacto intuitivo entre lo visible y lo invisible, que da acceso a mundos sensoriales desconocidos y perfectamente cercanos al mismo tiempo.

comisarios de la exposición: Juan Vicente Aliaga y François Leperlier

]]> https://www.prod-av.info/?feed=rss2&p=298 1 https://www.prod-av.info/?p=295 https://www.prod-av.info/?p=295#comments Wed, 26 Oct 2011 08:01:13 +0000 http://www.prod-av.info/?p=295 15 – 19 de noviembre, Museo Reina Sofia

Este ciclo presenta una serie de vídeos y performances que surgen de las prácticas feministas, queer/cuir y transmarikabollo contemporáneas situadas en la tradición de la vídeo-guerrilla: ejercicios de apropiación de los medios de comunicación ligeros como medios de contra-información, pero también como técnicas de producción de género y de sexualidad disidentes.

La variación queer/cuir a la que hace referencia el título registra dos desplazamientos: por una parte, la inflexión geopolítica hacia el sur y desde las periferias, en contrapunto a la epistemología colonial y a la historiografía anglo-americana. Por otra parte, el giro queer/cuir indica el paso desde el llamado “arte feminista” a una multiplicidad de prácticas de disidencia de género y de guerrilla sexual que ponen en cuestión las técnicas de producción de la diferencia sexual y sus instituciones de reproducción cultural.

Si la resistencia a la violencia institucional y la crítica de la norma habían sido las estrategias centrales de los años 80-90 frente a los procesos de “normalización” de la homosexualidad y a la crisis del SIDA, los primeros años del nuevo siglo aparecen como un momento de cambio de paradigma político en los que se afirma la necesidad de la utopía como espacio en el que inventar prácticas de subjetivación y de producción social.

Los trabajos aquí reunidos señalan el paso desde la crítica del régimen sexo-género hacia el despliegue del arte como espacio de invención de técnicas de producción de subjetividad y reproducción social. Propiciando una relectura inesperada de Félix Guattari y Donna Haraway, estas prácticas anuncian el desbordamiento de lo relacional hacia una ecología política queer/cuir, que cuestione y transforme el proyecto político de la izquierda. Frente al sueño universalizador y viril de la internacional comunista y a la promesa neoliberal del multiculturalismo mercantil y sus políticas de identidad sexual se alza una red de prácticas disidentes, una internacional de trabajadores somatopolíticos que ponen en cuestión tanto la identidad de género y sexual como racial y nacional, inventando así otro modo de imaginar el ámbito de lo político.

Tipo de actividad: Ciclo de vídeo, debate y performance
Fecha: 15 – 19 de noviembre
Entrada: gratuita (hasta completar foro)
Comisariado: Beatriz Preciado
Organiza: Museo Reina Sofía

*foto: Frau Diamanda. Tr@nsversiva Post Andina Revolucionaria, 2011.Fotografía de César Delgado Wixan

http://insultarte.blogspot.com/

http://www.creativecapitalistcity.org/

Creativity is fancy, glamorous and desirable. Who can be against creativity? At the same time it is used selectively for economic purposes and consists of precarious and hard work.

In this film, the search for creativity is linked to existential struggles for affordable housing and working space in Amsterdam, such as temporary accommodation, squatting, anti-squatting and some institutional synthesis: “breeding places” Amsterdam.

This film is more than a local documentary on Amsterdam. It explores the latest urban re-/development pattern in advanced Western capitalist cities. The hype around the creative city began already a decade ago, it is global in scope and about to reach its peak. After Richard Florida’s influential book “The Rise of the Creative Class” (2002) creativity has advanced to be the role model of urban regeneration: The New American Dream.

What is new about this dream? What happens when the hype is over? Housing as a job or the Right to the City?

written and directed by:   tino buchholz
director of photography:  benjamin bischof
edited by:  dominik wulf
music by:  toralf kampe alias modal.
cover design by:  anne büttner
web design by:  stefan baier